Читать онлайн «Художественный музей Индианаполис». Страница 7

Амедео Модильяни известен миру как живописец, скульптор и рисовальщик. Он долгое время находился в поиске собственного стиля. Мастер испытал влияние импрессионизма, постимпрессионизма, символизма, кубизма, африканской скульптуры, но затем нашел свой неповторимый почерк — линейный и графичный, но в то же время замысловатый и экстравагантный.

Почитателем таланта художника был коллекционер Леопольд Зборовский, он организовал единственную прижизненную выставку Модильяни, но и та оказалась закрыта по требованию полиции — некоторые изображения обнаженной натуры были признаны провокационными и вульгарными.

Живописец сформировал индивидуальный тип портрета, в котором природная естественность заменяется вытянутыми пропорциями, формы тела складываются из анатомически адаптированных геометрических фигур — овалов, прямоугольников, кругов. Картина «Мальчик» выдержана во всех традициях модильяниевского типа — подчеркнутый вертикализм фигуры, заостренные черты лица, условная трактовка одежды. Художник добивается плотности и интенсивности цвета, используя оттенки серого, коричневого и черного, но при этом наполняя колорит сочностью и внутренней силой. «Визитной карточкой» портретов Модильяни стали герои с миндалевидными глазами без прорисованного зрачка — прием, имитирующий отсутствующий взгляд и в то же время делающий его таинственно-глубоким. Эстетика Модильяни — в грубоватых, но красноречиво-выразительных формах, простых, однако не лишенных грации.

Гилберт Стюарт — основоположник традиций американского реалистического портрета. Насчитывается более тысячи его произведений, среди которых не последнее место занимают портреты первых шести президентов США. Художник снискал бессмертную славу, увековечив Джорджа Вашингтона на нескольких полотнах. Несмотря на прижизненное признание, Стюарт временами испытывал финансовые трудности: он был очень расточителен и неаккуратен в денежных тратах. Живописец путешествовал по Америке и Великобритании в поиске лучших возможностей заработать и наладить связи.

В «Семейном портрете» ясно читаются основные черты манеры художника: правдивость в передаче лиц и проницательность в психологических трактовках. Но вместе с тем зритель видит некоторую романтизацию образов, совмещенную с заимствованиями из парадного европейского портрета: красиво сгруппированные фигуры в репрезентативных позах изображены на фоне задрапированной ткани — шторы. Природная естественность украшает образы матери и девочек, сближая их по душевным характеристикам, во взглядах героинь — наивность и робость, а их неуверенные и осторожные жесты, румяные щеки, светлая матовая кожа вносят в картину ощущение свежести и чистоты.

Бенджамин Уэст, сын трактирщика, обнаружил у себя талант живописца и добился на этом поприще немалых высот, хоть и обучался в основном самостоятельно, перенимая манеру признанных мастеров. В 1768 он работал для Королевской академии художеств в Лондоне, а в 1772 занял должность придворного живописца, специализируясь на портретном и историческом жанрах.

Мастер любил многофигурные композиции на открытом воздухе, уделяя особое внимание выразительности небесной стихии, которая усиливает эмоциональный эффект от происходящего. Значимые акценты произведений художника — театральные позы, экспрессивные жесты и мимика, они являются определяющими для смыслового понимания. Именно это характерно для полотна «Дровосеки в Виндзорском парке». В пейзажном окружении изображена будничная сцена: группа рабочих занимается рубкой дров, кто-то мирно отдыхает в тени деревьев, мужчины на переднем плане о чем-то оживленно спорят. В образах дровосеков Уэст демонстрирует подчеркнутую грубость жестов, простоту поз, заурядность лиц. Обыденность сцены рождает дисгармонию с пышностью и рафинированностью природы, изящно изогнувшимися деревьями, таинственным сиянием неба, что и поэтизирует сцену, и в то же время заставляет задуматься над темой гибели прекрасного в неумелых руках.

Уинслоу Хомер начинал как свободный художник-журналист в издании «Харперс-уикли», а во время гражданской войны работал репортером, делая зарисовки на фронте. Но военный опыт не добавил работам мастера ожесточенности и остроты, напротив, его интересовала мирная обыденная жизнь, переданная с документальной точностью и отмеченная глубоким психологизмом.

Ранний период творчества, к которому и относится данная картина, примечателен тягой к светлому колориту, специфической передачей ослепительного солнечного света, цельностью и монументальностью композиции. На полотне с доброй иронией изображена излюбленная тема художника — «человек и море». На фоне бирюзовой морской глади два персонажа строят игрушечные лодки, удобно расположившись на каменистом берегу. Грубые глыбы мирно соседствуют с людьми — в этом выражается ранняя идея Хомера о единении трудолюбивого человека и неопасной природы. Живописец показывает счастливую погруженность героев в повседневность. Он поэтизирует простые занятия, заставляя зрителя наполняться безмятежной радостью от созерцания незатейливой ситуации. Художник иллюстрирует прозаичную жизненную сцену, такую обыкновенную, знакомую многим и от этого еще более привлекательную.

Джордж Иннесс в юношестве учился на картографа, чему активно сопротивлялся его отец, небогатый фермер, который видел будущее сына в торговле. Учеба в мастерской по гравированию географических карт сказалась на дальнейшем творчестве художника: его пейзажи отличаются топографически точным перечислением деталей, правильно рассчитанной композицией, строгим следованием стилистическим канонам.

Картина «Радуга» принадлежит к тому периоду деятельности мастера, когда лирически-возвышенное настроение ранних произведений сменяется трагическим, минорным звучанием. Мирная на первый взгляд сцена пасущихся на лугу коров приобретает мистический подтекст из-за несоответствия происходящего тревожной атмосфере природы. Главным источником впечатления является фантастическое явление на небе: серые облака резко переходят в ночные сине-черные, в просвете между ними светит яркое полуденное солнце, а неожиданно появившаяся радуга и вовсе приводит зрителя в смятение. Спокойное поведение коров контрастирует с тревожным полетом птиц, а резкое освещение имеет сходство со студийным. Эмоциональный фон картины построен на дисгармонии различных времен суток и природных явлений, таких как предгрозовое сгущение туч и радуга после дождя.

Уильям Брэдфорд все свое творчество посвятил арктическим пейзажам. Он изображал морские, портовые сцены, а также виды природы севера. Начав заниматься живописью в 29 лет, художник был одержим желанием передать неприступную красоту и суровую мощь арктических льдов. Для этого он совершил множество экспедиций, в том числе к берегам Лабрадора и Ньюфаундленда, а в 1869 вместе с фотографами Джоном Данмором и Джорджем Критчерсоном отправился к Баффиновой Земле — Канадскому Арктическому архипелагу. Это стало самым знаменитым и плодотворным путешествием мастера и обозначило зрелый период его деятельности.

Картина «Китолов и рыболовные суда у побережья Лабрадора» является классическим примером выработанного Брэдфордом типа пейзажа «Корабли и айсберги». Используя холодный колорит, живописец передает таинственный блеск снежных вершин, погруженных в темно-серую дымку тумана. Клубящиеся белые облака на небе вторят величественным формам айсбергов, а сумрачный свет подчеркивает одновременно отталкивающую и безумно притягательную красоту полярной природы.

Уильям Холбрук Берд считается художником-анималистом, но саркастически-карикатурные изображения животных с человеческими повадками ясно дают понять, кто истинные персонажи его картин. Полотна так нравились широкой публике, что при жизни мастера выпускались большие тиражи репродукций. Игривая шуточная атмосфера произведений имеет морализирующий подтекст: живописец высмеивает духовное уродство человека, его ограниченность мышления и пороки.