Читать онлайн «Художественный музей Индианаполис». Страница 5

Коро не стремится оправдать идеальные представления о природе, он показывает не пейзаж, а воспоминание о нем, словно матовое облако, наполненное светом, воздухом и приблизительными формоочертаниями. Естественная цветовая гамма способствует ощущению приближенности к реальности. Картина не предназначена для долгого рассматривания деталей, она создана, чтобы оставить впечатление в сердце. «Я всегда стараюсь схватить все оттенки, тем самым передать иллюзию жизни, хочу, чтобы, глядя на мой неподвижный холст, зритель ощущал бы движение вселенной и предметов», — писал Коро о своем творчестве.

Пьер Огюст Ренуар участвовал в первых выставках импрессионистов в Париже и был одним из первооткрывателей этого смелого и сомнительного в то время направления. Пытаясь запечатлеть сиюминутность и мгновенность жизненных состояний, импрессионисты останавливали кадры скоротечной жизни и представляли их на суд изумленному зрителю. Ренуар был и живописцем, и графиком, и скульптором, с тринадцати лет расписывал фарфор, а также ширмы и веера. Это занятие привило ему любовь к чистым и локальным цветам, что отобразилось в дальнейшем творчестве. Несмотря на приверженность импрессионизму, мастер имел успех и на Салоне. Парижскую публику в его красиво выстроенных и удобных для восприятия полотнах привлекали жизненность, теплота и свет.

Именно эти качества сочетаются в данной картине. Роскошный благоухающий букет, переданный во всей пестроте и сочности красок, источает свежее дыхание жизни. Пространство комнаты наполнено светом и воздухом. Причудливый орнамент вазы вторит миниатюрному, но легко и пышно написанному букету. Густыми мазками живописец наносит чистые, яркие краски, подчеркивая прелесть и непосредственность натюрморта.

Поль Сезанн, будучи одиноким и меланхоличным человеком, практически не продавал свои картины и был прозван «отшельником из Экса», где имел мастерскую. Он отличался кризисным и рефлексирующим мышлением и до конца жизни сохранял болезненно-экспрессивное восприятие реальности, что отразилось на его творчестве.

Данная работа позднего периода раскрывает пристрастие художника к панорамному многоплановому пейзажу, при этом в отличие от импрессионистов он не стремился к передаче мимолетного состояния природы. Сезанн обращает внимание на структурную организованность картины, выражая свое личное мировосприятие и заставляя зрителя видеть его глазами. «Дом в Провансе» считался бы идиллическим пейзажем сельской горной местности, если бы не манера исполнения. Находясь в сложном и противоречивом духовном состоянии, живописец деформировал естественные формы природы, дестабилизировал композицию, сделав горы заваливающимися то на одну сторону, то на другую. Художник наслаивал планы, намеренно нарушая законы пространственной перспективы, и создал собственные светотеневые принципы, подчеркивая важные смысловые компоненты работы жирными мазками более интенсивного цвета. Сезанн не стремился к правдивости в интерпретации формы и цвета, он изобрел личную формулу колористической гаммы — сочетание сизоголубого, желто-охристого и зеленого. Живописец мастерски оперировал этим сочетанием, достигая нужного эмоционального влияния на зрителя.

В его работах удивительно сочетаются ритмическая выверенность, строгость и структурность композиционного решения с неожиданно острым и энергетически сильным пониманием природы.

Шарль Лаваль считается художником понт-авенского направления, именованного по названию города в Бретани, куда в бегстве от конформизма часто заезжали мастера новой эстетической концепции. Лаваль поддерживал дружеские отношения с Полем Гогеном и Эмилем Бернаром, вскоре вместе они пришли к открытию синтетического, или «перегородочного», стиля в живописи. Он был навеян готическим искусством изготовления стекольной мозаики, где кусочки эмали ограничены тонкими металлическими перегородками. Реабилитируя названную технику и обращаясь к примитивизму, понтавенцы освобождали сознание зрителя от навязанных художественных штампов и изобретали язык форм и символов.

Лаваль в картине «Отъезд на рынок в Бретани» избегает конкретики в интерпретации окружающей среды, деталей одежды, портретных характеристик персонажей. Зритель видит только четко очерченные силуэты с эскизно переданными чертами лиц. Повседневная сцена отъезда супружеской пары в повозке и их проводов деревенскими жителями лишена ощущения будничности и непосредственности. Настораживают значительная упрощенность изображения, резко отделенные цветовые пятна, плоскостность форм. Таким образом художник хотел преодолеть условность реальных предметов и привлечь внимание к содержанию полотна. Облегчение техники и простота картины освобождают место для глубины идей, провоцируют в зрителе аллегорические ассоциации метафизического толка.

Винсент Ван Гог не получил систематического художественного образования и учился, в основном копируя полотна известных мастеров. За всю жизнь он продал всего одну картину. Резкие смены эмоционального состояния, от исступленного отчаяния до умиротворенного блаженства, частые затяжные депрессии и надломленная страданиями психика заставляли живописца почти все последние годы проводить в клиниках для душевнобольных. В промежутках между приступами Ван Гог выписывался из лечебницы и продолжал творить. После очередного всплеска вдохновения, когда он написал 70 полотен за 70 дней, художник покончил жизнь самоубийством, выстрелив себе в живот.

Картина «Пейзаж Сен-Реми» была создана во время пребывания живописца в психиатрической клинике Сен-Поль де Мозоль в Сен-Реми, расположенной недалеко от Арля. Так как состояние мастера стало улучшаться, ему разрешили выходить за пределы больницы для занятий на пленэре. На представленном полотне изображено поле с холмами и горами на горизонте, почти в центре композиции — крестьянин со снопом сжатой пшеницы как символ человечества, пожинающего свои скорбные плоды. Настроения смерти и тревожного уныния уже начали проявляться в этот период творчества, и в золотисто-желтые цвета Ван Гог вкрапляет пессимистичные серо-фиолетовые оттенки. Характерные для него четкие округлые линии и струящийся мазок придают динамику и беспокойство, нагнетая ощущение страха, подавленности, отчаяния.

Жан-Леон Жером — самый беспристрастный мастер исторической живописи XIX века. Он посвящал картины тематике античного мира и Востока и стоял во главе сформировавшейся тогда группы французских художников-«неогреков». Творчество Леона отличают безукоризненная отточенность рисунка, верное воссоздание обстановки, образов, атмосферы времени, отсутствие штампов исторической живописи: подчеркнутой театральности действия, утрированных эмоций, страсти и вызывающей чувственности.

На первый взгляд картина «Караульный» малопривлекательна по сюжету: часовой, утомленный жарой и солнцем, устало прислонился к стене. За ним открывается узкий, уходящий вглубь переулок, где мул понуро ожидает своего хозяина. Но даже это жанрово-бытовое изображение лишено монотонности. Художник обладает высоким чувством цвета, позволяющим виртуозно передавать тонкие градации оттенков серого с вкраплениями красно-розового. Работы Жерома притягивают таинственным магнетизмом: мастер умело воссоздает ассоциации с прошлым, при этом использует холодное, как бы студийное освещение, давая понять, что перед зрителем именно историческая картина.

Поль Гоген — одна из самых неоднозначных и загадочных личностей в мировой художественной истории. Будучи успешным биржевым маклером, он бросил благополучную жизнь и семью ради занятий живописью, ни разу не пожалев об этом. Презирая общепринятые представления о красоте, мастер никогда не имел учителей, не доверял мнению знатоков искусства и предпочитал выстраивать собственную эстетическую систему, основанную на личных душевных порывах.

Картина «Музыкант на скале, играющий на флажолете» была написана за два года до судьбоносной поездки художника на Таити, но уже тогда во Франции его посещала утопическая мечта о рае на земле, сближающем человека и природу. Живописец практически пренебрегает светотеневой моделировкой, передачей пространства, световоздушной и линейной перспективой, заменяя их динамичным сопоставлением цветовых пятен. Едва ли в этом многообразии зритель может усмотреть фигуры людей. Образ музицирующего героя на лоне природы символизирует просветление человека, его очищение от условностей цивилизации, понятий комфорта и благосостояния. При создании произведений Гоген опирался не на реальные наблюдения, а стремился воссоздать то, что стояло перед его внутренним взором, — остров, затерявшийся в бескрайнем просторе, где человек раскрывает свое подлинное стремление к свету и чистоте.