Читать онлайн «Пикассо». Страница 6

Жизнь

К созданию этой картины Пикассо подтолкнуло самоубийство, совершенное его другом, испанцем Карлосом Казаджемасом. В первые годы жизни художника в Париже они были ближайшими друзьями. Это событие настолько овладело умом Пикассо, что он пытался рассказать о нем во многих произведениях тех лет. "Жизнь" стала заключительным рисунком этой серии, и ее яркие фигуры, окруженные почти подводной голубизной, могут быть истолкованы также как собрание основных тем, характерных для "голубого периода". Под влиянием больших аллегорических циклов, периодически повторяющихся в символистской живописи, интерес Пикассо к низшим сословиям (как в картине "Пария" 1903 года) теряет свой характер социального обвинения, свойственный постимпрессионистам, которые сильно повлияли на его стиль. Стремление художника ограничить разнообразие цвета, приводящее почти к монохромности изображения, становится способом избежать реалистической фокусировки внимания на сюжете и привлечь его к символическому значению картины.

Смерть Казаджемаса, друга художника, стала источником вдохновения для Пикассо, который заявил: "Я начал писать в голубых тонах, думая о Казаджемасе".

Прощание

Внизу - другой рисунок, связанный со смертью друга, "Воскресение" (1901, Париж, Городской музей современного искусства). Композиция отсылает нас к работе Эль Греко.

Жизнь

Масло, холст 1963x1283 см, 1903 Кливленд, Музей искусств

В эту эпоху цирковые сюжеты были в моде среди художников, и члены "банды Пикассо" прилежно посещали цирк Медрано. Многие картины "розового периода" родились в этом мире (как и "Мать и сын", см. стр. 11), в русле традиции, сформировавшейся среди художников второй половины девятнадцатого века. Первые сюжеты в этом жанре в картинах Пикассо совпадают по времени появления с перемещением его палитры из голубой части спектра в розовую. В это время Пикассо, похоже, исследует стиль французского классицизма. Размер холста подсказывает художнику модель горизонтального изображения, типичную для больших настенных циклов, тогда как расположение фигур напоминает сюжеты, повторяющиеся в неоклассической живописи: группы атлетов на природе. Просторный, почти пустой фоновый пейзаж заставляет увидеть здесь проявление тенденции к двунмерности, характерной для декоративных работ Пикассо двадцатых годов.

Согласно биографической интерпретации, изображенные персонажи наиболее прилежные члены "банды Пикассо": сам художник изображен в виде Арлекина, стоящего спиной к зрителю.

Семья и меланхолия

Внизу помещена картина "Семья акробатов" (1905, Гетеборг, Музей искусств), вариация на цирковую тему. Меланхолическая атмосфера кажется еще беспокойнее благодаря присутствию обезьяны.

Клоун и акробаты

Семья бродячих комедиантов

Масло, холст, 212 х229 см, 1905 Вашингтон, Национальная художественная галерея

Другие примеры картин на цирковые сюжеты: "Семья жонглеров" (1905, Балтимор, Музей искусств);

"Семья циркачей" (1905, Москва, ГМИИ им. А.С.Пушкина).

Одно из важнейших произведений не только Пикассо, но и всего искусства нашего столетия, эта картина представляет собой кульминацию работы художника над объемной передачей формы, проделанной в серии эскизов 1906 года, посвященных тематике "негритянской" скульптуры, а также скульптуры испанского средневековья. Здесь все еще чувствуется и влияние картин Сезанна. Результаты этой работы легко прослеживаются в лицах изображенных справа фигур, а также в умелой передаче плотного, насыщенного пространства. Картина, которую Пикассо оставил незаконченной, может также считаться первым шагом к деформации, присущей будущему кубизму, особенно это относится к фигуре женщины на корточках, помещенной справа. Рисунок вызвал неоднозначный резонанс среди парижских художников: его влиянию Жорж Брак обязан появлением своего "Grand пи". Его отдаленное воздействие можно увидеть и во многих других произведениях, таких, как "Три Грации", вписанные Робером Делоне в картину "Город Париж".

Сюжет картины являет собой воспоминание художника о доме терпимости в Барселоне, находившемся в "Каррер де Авиньо". Первоначальное название картины, "Философский бордель", похоже, было подсказано художнику его друзьями Максом Жакобом и Гийомом Аполлинером. Вначале Пикассо предполагал изобразить пять женских фигур и две мужские. Настоящее название было дано уже в послевоенные годы.

Жестокая улица и шедевр

"Авиньонские девицы" не завоевали мгновенного успеха. Их считали позором для французского искусства. Произведение, одной из стадий подготовки которого явилось создание "Пяти женских фигур" (1907, Филадельфия, Музей Современного Искусства), оставалось в мастерской Пикассо до 1920 года, когда его приобрел коллекционер Жак Дусе. Впервые оно попадает на выставку только в 1937 году.

Авиньонские девицы

Масло, холст 244 x233,7 см, 1907, Нью-Йорк Музей современного искусства

Один из самых известных портретов работы Пикассо, пример свойственных кубизму приемов декомпозиции. Амбруаз Воллар был парижским торговцем предметами искусства, его галерея принимала величайших французских художников, начиная с импрессионистов. Воллар еще в 1901 году распознал талант Пикассо.

Тут его лицо разъято, разделено на грани: большие геометрические плоскости произведений, непосредственно предшествующих возникновению кубизма, здесь теряют связи, гарантировавшие органичность формы, требуя от зрителя интеллектуального понимания. Цвет изображения стремится к унификации, рождается общий тон, который - как уже было во время "голубого периода" - граничит с монохромностью. Через несколько лет, с распространением кубизма среди других французских художников, портрет станет своего рода эталоном, стандартом "а ля Пикассо". Приведем в качестве примера "Посвящение Пикассо" работы Хуана Гриса, где декомпозиция изображения следует сложному геометрическому образцу портрета Воллара.

В картине поражает прежде всего неожиданный угол зрения, благодаря которому можно видеть даже затылок головы Воллара. Кроме портретов Воллара и Уде Пикассо создает также и портрет своего друга, торговца Даниэля Канвейлера.

Коро в обмен

"Портрет Вильгельма Уде" (1910, Сент-Луис, Пулитцер). Уде был одним из первых, кто приобрел произведения Пикассо. Он входил в группу, объединенную вокруг Гертруды Стайн. В обмен на портрет он подарил Пикассо картину Коро.

Портрет Амбруаза Воллара

Масло, холст 92x65 см, 1910 Москва, ГМИИ им. А.С.Пушкина.

Беспощадность кубистических деформаций в начале периода кубизма резко обособила произведения Пикассо и Брака. Они чувствовали потребность перенести на холст детали, которые позволят угадывать сюжеты. Они вставляли в картины фрагменты рисунков в реалистической манере и проштампованные письма. Художественный язык не повторял реальность, а ссылался на нее, используя особый инструментарий, но будучи совершенно автономным. Наиболее выдающейся частью этого процесса стало изобретение коллажа. Желая изобразить стул, Пикассо приклеивает на холст кусочек вощанки с отпечатком соломенного плетения стула и окружает картину по периметру веревкой. Это обманчивое изображение на самом деле усиливает отнюдь не обманчивое впечатление от рисунка, утверждая обособленность современного художественного выражения. Это важнейшее произведение, предваряющее многие поэтические творения будущего, от ready-made до поп-искусства. И Пикассо, прекрасно осознавая это, не желал с ним расставаться.

Пикассо часто использовал в картинах титульные листы и страницы ежедневника "Журналь", который тогда читал.

Предметная живопись

Гертруда Стайн писала: "Он начал развлекаться, создавая картины с листами цинка, жести, папье-колле. Из всех этих вещей он создавал не скульптуру, но живопись". "Гитара, ноты и стакан" (1912, Музей искусств Марион Кооглер Мак Ней, Техас).

Натюрморт с соломенным стулом