Читать онлайн «Государственный музей искусств Копенгаген». Страница 12

Хансен строит композицию так, что большую роль в выразительности картины играют цвета. В представленном, одном из самых известных полотен мастера, зритель видит три основных оттенка. Синий, красный и зеленый накладываются на холст в необычных сочетаниях, которые словно придают фигурам и предметам особую объемность. При этом бежевая охристая гамма с жесткими по тону акцентами красного и синего создают ощущение лиц-масок, условности происходящего. Такая отстраненность от натуралистической гаммы производит интересный эффект. Дети живо и непосредственно играют на городской площади (живописец рисует будто случайный фрагмент), а краски делают сцену монументальным полотном с изображением обобщенных городских и социальных типов. Динамика сцены усилена обрезанной композицией, которая напоминает скорее фотографический снимок. Этот прием стал популярен еще со времен французских импрессионистов и быстро приобрел популярность у художников-новаторов Европы и Америки.

Хансен жил в этих местах с 1905, поэтому в его наследии сохранилось множество зарисовок окрестностей и жителей данного копенгагенского района.

Зритель моментально узнает оригинальный, характерный стиль Амедео Модильяни. Этот итальянский художник из числа известнейших мастеров экспрессионизма прославился своими необычными, незабываемыми типажами. Он по праву считается одним из самых харизматичных портретистов XX столетия. Живописец создавал изображения, в которых большую роль играли лица, похожие на африканские маски, и по-готически вытянутые силуэты.

В этом портрете юной девушки Модильяни, как обычно, использует лаконичные, но выразительные сочетания цветов наряду с общей неопримитивистской манерой рисунка. Пронзительная светоносность голубого, который символизирует невинность, прекрасно контрастирует с благородным коричневым оттенком кожи и сизо-синим фоном. Обобщенные линии контура и отсутствие человеческих эмоций в выражении лица придают всем портретируемым итальянского художника характер идолообразности, духовной монолитности.

Копенгагенский музей располагает интересной коллекцией скульптуры. Эта мраморная голова — прекрасный пример позднеготических статуй. Ее автор, знаменитый итальянский ваятель Джованни Пизано, прославился своими новаторскими произведениями. Он впервые после нескольких веков разработки исключительно христианской стилистики начал создавать скульптуры, в которых мораль и сюжеты на библейские темы сопровождались гуманистической трактовкой персонажей. Мастер возродил искусство римского портрета с тонкостью и многообразием психологических характеристик, соединив с общей спиритуальностью христианской религии. Пизано стремился обогатить фактуру мрамора, добавить на поверхность драматическую светотень. Для этого он довольно прямолинейно пробурил отверстия в бороде и прическе мужчины, желая подражать прекрасному умению римских творцов создавать почти театральную, завораживающую игру завитков.

Адриан де Врис — один из самых интересных и талантливых нидерландских скульпторов XVII века. Его учителем во Флоренции был великий ваятель Джамболонья, мастер дерзких ракурсов и захватывающей динамики. Лучше всего для отображения движений персонажей подходила бронза, этот материал стал основным в творчестве автора.

К числу главных достоинств изваяний названного периода относились плавность и изящество линий, которые обеспечивали единство кругового осмотра. После многих веков развития скульптуры как вида искусства, помещавшегося на соборные порталы, прислонявшегося к стенам и имевшего только одну обработанную сторону, начиная с эпохи барокко и маньеризма ваятели увлеченно занялись проблемой ракурсов.

Эта статуэтка изображает обнаженную фигуру Лазаря, скульптор создает сложный рисунок мышц, напрягшихся в эффектном повороте. Физическое усилие в небольшом произведении, одновременно легкое из-за гладкой, скользящей фактуры бронзы и мощное из-за прекрасно вылепленной мускулатуры, буквально захватывает зрителя.

В возрасте 20 лет Джованни Лоренцо Бернини, один из величайших ваятелей эпохи барокко, создал этот скромный бюст, посвященный умершей матери кардинала Маффео Барберини. Он был парным к скульптурному портрету отца кардинала и создавался для фамильной усыпальницы в роскошной церкви Сант-Андреа-делла-Валле в Риме. Через несколько лет Барберини посвятили в сан римского папы, и он стал самым главным патроном и заказчиком мастера. Большое впечатление производит великолепная отделка мрамора. Особый эффект жизненности достигается путем глубокой светотени, образованной покрывалом на голове Камиллы. Лицо женщины буквально светится изнутри, приобретает особую энергичность, оно притягивает взгляд своей мощной артикулированностью, резким контуром. Этим одним приемом, на первый взгляд незначительным, создаются весь характер скульптурного портрета, четкость и выразительность, которые мастер с успехом разовьет в дальнейшем творчестве.

Данный гипсовый эскиз, олицетворяющий патриотизм, является прекрасным примером монументальной скульптуры, распространенной в XVIII веке по всей Европе. Именно тогда формировалась политическая программа государств, императоры, короли, монархи были заинтересованы в разработке образов, аллегорий и сюжетов, которые прославляли бы вверенную им страну, создавали идею национальной доблести и пропагандировали основные принципы государства. Современный зритель вряд ли отличит друг от друга аллегорические фигуры, поставленные на пышные фронтоны европейских общественно-политических зданий, а в XVIII веке их символика прекрасно считывалась прохожими. Например, данная статуя, как и целый ряд других, скульптора Королевской датской академии художеств возникла благодаря опубликованию в 1776 Кристианом VII новых законов о порядке установления национальности. Мастер использовал образ идеализированной обнаженной мужской скульптуры с лавровым венком.

Нильс Хансен Якобсен — один из самых интересных и скандальных датских ваятелей. Во время обучения в Париже, центре скульптуры того времени, он активно впитывал новые стилистические характеристики этого вида творчества. Автор находился под влиянием Огюста Родена. Импрессионистическую лепку великого француза он синтезировал с характерным для Северной Европы немного жутковатым и натуралистическим в своей основе символизмом. В музее представлен гипсовый эскиз к его монументальной работе из «Истории одной матери» датского сказочника Г. X. Андерсена. Скульптор создал образ — прямую цитату из произведения: «И она поникла головою… А Смерть понесла ее ребенка в неведомую страну». Смерть, держащая в руках младенца, стремительно проносится мимо матери, которая в отчаянии и страхе за свое дитя упала на землю лицом вниз. Смысл литературной истории таков, что человек не может судить, что лучше: жить на земле или пребывать в чертогах Бога. В этой сцене женщина вынуждена довериться судьбе и милости Смерти, надеяться на то, что ее ребенку будет лучше Там. Мастер искусно работает с движением — он воспроизводит скорость, с которой Смерть в выразительном повороте проносится с малышом. Ее жилистые ноги эффектно сопоставляются с реалистически выполненной фигурой скорбящей матери.

Существуют еще две бронзовые отливки этого произведения. Одна находится на копенгагенском кладбище Святого Петра, а другая — перед музеем в городе Вайен, где хранится наследие скульптора. В патриархальной Дании смелые образы Якобсена не сразу пришлись по душе публике. Долгое время ваятель был вынужден зарабатывать изготовлением надгробий. Сейчас искусство мастера оценено в полной мере. Самая скандальная его скульптура «Тролль, нюхающий христианскую кровь» даже стала элементом герба коммуны, в которой родился Якобсен.

Музей располагает еще одной работой очень интересного датского скульптора Нильса Хансена Якобсена. «Тень» входит в число главных произведений мастера, она может считаться примечательной вехой в развитии пластики европейского символизма. Ваятель искал новые пути для отображения двух важнейших концепций в искусстве того времени: он хотел создать динамику в скульптуре, а также разработать образ смерти. Датчанин выбрал мотив тени, «существа», которое одновременно принадлежит миру человека и представляет загробное, потустороннее царство духов. От главного авторитета среди скульпторов того времени Огюста Родена он взял принцип текучести поверхности, которой можно добиться в таком пластичном материале, как бронза. Ваятель пользуется наработками мэтра, создавая переливчатую фактуру. Он добавил к импрессионизму парижанина игру форм, которые будто в произвольном, довольно эмоциональном ритме ложатся друг на друга, постепенно создавая целый образ. Из-за мощной динамики возникает впечатление, что фигура смерти сделана одним порывом сильного ветра. Кажется даже, что она «теряет» свою бронзовую плоть во время стремительного движения, все больше и больше обнажая лицевой скелет.