Читать онлайн «Музей Бойманса-ван Бёнингена Роттердам». Страница 5

Подобная тематика была нетипична для итальянской живописи, интерес художника к ней объясняется тесной дружбой со знаменитой семьей изготовителей виолончелей. Очевидно также влияние нидерландского искусства, голландских натюрмортов, где инструменты были частью жизни человека, его быта, поэтому на полотнах они вместе с другими живыми и неживыми предметами означали божественный порядок жизни. Художник видел привлекательность музыкальных инструментов в их совершенной геометрической форме, они — шедевры человеческого мастерства. По общему признанию искусствоведов, автор не писал натюрморты — аллегории с моральным подтекстом, как это делали голландцы. Больше всего его интересовали благородство линий и красота фактур. Баскенис считается одним из первых творцов-новаторов, которые изображали предметы ради чистого художественного удовольствия, а не сюжета. Работы мастера выделяются утонченным эстетизмом, особой атмосферой, образованной при помощи орнаментальной геометрии линий изысканных, тщательно выделанных деревянных корпусов. Композиция из инструментов, книг и скульптур представляет своего рода культурный мир человека, возвышающийся над природой и низкими естественными потребностями.

Нидерландец Герард Доу несколько лет учился у великого живописца Рембрандта. Он принадлежит к кругу так называемых малых голландцев. Это целый ряд мастеров XVII века, которые создавали картины небольшого размера для горожан — любителей и коллекционеров искусства. Они предназначались для украшения гостиных, поэтому самыми популярными темами были жанровые сценки и натюрморты. В те годы Доу являлся одним из самых высокооплачиваемых художников.

Популярность и успех его произведениям принесли, как можно видеть на примере данной картины, хорошо аранжированная композиция, внимание к мелким деталям быта, мастерство обобщения человеческих характеров. Технически Доу пользовался живописным арсеналом приемов, которые были разработаны в итальянском искусстве. Он усилил их голландской тщательностью обработки фактуры. Художник рисовал тонально, со множеством колористических переходов, очень мягко, используя сдержанную, благородную цветовую гамму.

На стиль одного из главных жанристов Нидерландов, Герарда Терборха, решающее влияние оказали его предшественники — мастера национальной голландской школы Питер Кодде и Виллем Дуйстер. Живописец создавал множество жанровых полотен, где центральное место отведено людям, занятым каким-либо делом. Терборх предпочитал темный фон и эффекты контраста, основанного на освещенности фигуры.

Пряха, женщина средних лет, изображена в традиционной одежде и с принятой тогда прической. Она вся погружена в работу, художник не дает каких-либо психологических характеристик этого человека. Героиня для него — лишь тип, расхожий образ женщины, судьба которой — занятие домом, бытом и ремеслами. На коленях у нее собачка — это и милая деталь будничной жизни, и символ верности. Колорит, как было свойственно голландским мастерам XVII века, сдержанный. Терборх много работает коричневым цветом. Светлая опушка одежды и лицо пряхи служат композиционными акцентами.

Представленная картина очень интересна по способу выполнения. Это двойной портрет, созданный, однако, с выдумкой. Два художника запечатлели друг друга на одном холсте, который стал знаком их дружбы.

Фамилия отца Николя де Платтемонтаня была Платтенберг («Montagne» — перевод на французский немецкого слова «berg» — «гора»). Художник родился в Антверпене, занимался в основном пейзажной живописью, приехал в Париж, чтобы продолжить образование. Жан-Батист де Шампань родился в Брюсселе, в возрасте 13 лет отправился на учебу во французскую столицу к своему дяде Филиппу. На чужбине соотечественники встретились и подружились. Оба работали в стиле барокко, были страстными почитателями искусства Рафаэля и Тициана. Первым они восхищались из-за его продуманных композиций и ясности взгляда, второй покорил приятелей силой живописного языка и драматургией образов.

Музыкальный инструмент в центре композиции олицетворяет гармонию отношений. Молодые живописцы, им тогда было по 23 года, изобразили вокруг себя традиционные предметы, указывающие на род деятельности. Здесь античные гипсовые слепки, на них до сих пор учатся художники всех европейских академий. На стене висит палитра — обязательный атрибут работы живописца. Один из героев держит в руке лист бумаги для зарисовок. Работа выполнена в сдержанной гамме коричневых оттенков, мастера придали всей сцене идеализированное звучание. Портрет очень целостен по настроению, атмосфере благодаря продуманной композиции.

Бартоломеус ван дер Гельст, уроженец голландского города Харлема, состоит в числе интереснейших портретистов XVII столетия.

Данная работа — одна из лучших в наследии мастера. Все части в ней гармонично артикулированы. Слева на заднем плане помещен условный пейзаж, показана густая зелень вековых деревьев. В центре полотна на мраморной скамье сидит семейная пара. Позы героев непринужденны. Художнику виртуозно удается изобразить блестящую фактуру дорогой материи. Особое внимание к нарядам персонажей связано с тем, что Абрахам дель Курт был состоятельным торговцем одеждой. Гельст создал очень динамичный портрет благодаря положению и направлению взгляда мужчины. Ими показывается еще и характер коммерсанта — быстрый, предприимчивый, деловой. Его жена, наоборот, как бы олицетворяет стабильность и верность. Она спокойно смотрит на зрителя, одной рукой держа свежую, очень красивую розу. Это символ любви, а сад позади героев может намекать на сад наслаждений, что, в конечном итоге, превращает портрет в аллегорию семейной любви и верности.

Хендрик Якобс Дуббельс — представитель золотого века голландской живописи, прославившийся в маринистическом жанре. Всю жизнь мастер прожил в Амстердаме. На 1650-е пришелся расцвет его творчества. Позже художник терпел неудачи в крайне напряженной конкурентной борьбе. Он стал держателем магазина, обучил нескольких живописцев, которые позже имели успех. К 1670-м Дуббельс исчез из поля видения коллег, больше они о нем ничего не слышали. В настоящее время его талант по достоинству оценен, работы хранятся в Лондонской национальной галерее, Лувре и других крупных музеях.

Мастер предпочитал создавать полотна, пронизанные спокойствием. Представленная картина с ясным небом и морским штилем типична для творчества Дуббельса. Он часто рисовал парусные корабли на фоне берега, его полотна отличаются лишь количеством судов. В композиции этого произведения три части: небо с облаками, лодки на море и первый план с работающими на берегу людьми. Колористически полотно делится на два цвета: синие оттенки неба и облаков и коричнево-охристые суши и воды. Море и небо сходятся за горизонтом, создавая масштабную панораму — эпический фон героям на переднем плане.

У зрителя есть возможность сравнить темперамент манеры на примере двух работ разных художников. В марине Хендрика Дуббельса в общем-то похожая композиционная и колористическая схема: верхнюю часть полотна занимает небо, нижнюю — море и суша. Однако все — сила живописных мазков, насыщенность красок, блеск солнца, контрастность форм и прозрачность атмосферы — говорит в пользу целостности таланта и выразительности художественных приемов Якоба Исака ван Рейсдала. Он синтезировал в своем творчестве репертуар и находки пейзажного жанра в голландском искусстве. Стоит обратить внимание, как виртуозно мастер строит гармоничную композицию. Передний план — зелень — он делает темным. На ее фоне второй усиливается мощным, контрастным солнечным светом, который выделяет и подчеркивает главный объект — холмистое поле. Облака и цвет неба обострены резким светом. Художник пишет предгрозовое состояние природы. В этом проявляется интерес не только к реалистичному отображению окружающего мира, но и теме внутреннего волнения человека. Рейсдал, предшественник романтического направления, искал в окружающем мире отображения личных чувств и собственного душевного состояния. В чем привлекательность этого пейзажа? В целостности композиции, возможности ясно представить всю картину в общем, четкой артикулированности отдельных деталей, которые взаимодействуют между собой, не вступая в противоречие. В то время художники делали на природе лишь зарисовки фрагментов, сам пейзаж сочиняли в студии, варьируя натурные этюды, компонуя их. Поэтому данная работа также является не точным изображением, а идеальным, выдуманным.