Читать онлайн «Универсальный энциклопедический справочник». Страница 49

АТОНАЛЬНОСТЬ. Музыкальное течение, возникшее в XX веке. В основе его лежит отказ от тональности, а точнее, «смешение всех тональностей в одном произведении». Основоположником этого течения является Арнольд Шёнберг. В своем Втором струнном квартете композитор впервые прибегнул к новому закону музыкальной гармонии. Произошло это в 1908 году. Одновременно с Шёнбергом атональность использовали в своих произведениях Альбан Берг и Антон Веберн. Среди русских композиторов также были последователи атональности – Прокофьев и Шостакович.

БЕЛЯЕВСКИЙ КРУЖОК. Объединение композиторов, которое не выдвигало никакой идейно-художественной программы. Музыканты собирались каждую пятницу в доме П. Беляева для того, чтобы поговорить о музыке, представить на суд единомышленников новые произведения и т. д. Возглавлял кружок Н. А. Римский-Корсаков. В его состав входили Н. Н. Амани, В. А. Золотарёв, И. И. Крыжановский, Н. А. Соколов, Н. С. Лавров, Н. Н. Черепнин, А. К. Глазунов, Ф. С. Акименко, К. А. Антипов, Ф. М. и С. М. Блуменфельды, часто музыкальные вечера посещали А. Н. Скрябин, С. И. Танеев и др. Творчество большинства участников кружка носило академический характер. Беляевский кружок преемственно был связан с «Могучей кучкой» и просуществовал с 1880 по 1890 год.

ВЕЙМАРСКАЯ ШКОЛА. Музыкальное направление, возникшее в Германии в начале 50-х годов XIX столетия. Основоположником и главой был композитор Ф. Лист. Помимо него в состав творческого объединения музыкантов входили Й. Рафф, П. Корнелиус, А. Риттер, Х. Бюлов, К. Ф. Брендель, Р. Поль, К. Таузиг и др. Возникновение этого направления было вызвано общим политическим строем Германии того времени. Передовые деятели боролись против консерватизма и отсталости. Не могло это не отразиться и в музыке. Представители веймарской школы боролись за романтическое направление в искусстве, идейную насыщенность музыкальных произведений, коренное обновление музыки в целом. Все участники направления поддерживали Р. Вагнера и его новаторство в оперном искусстве. Практическое воплощение идеи веймарской школы получили в концертах, состоящих из произведений Берлиоза, Листа, Вагнера, а также театральных постановках произведений представителей направления. Происходило это в Веймаре, который, благодаря борцам с лейпцигской школой музыки, превратился в важнейший культурный центр.

ВЕНЕЦИАНСКАЯ ШКОЛА. Музыкальное направление, возникшее в XVI–XVII веках. Основоположником течения был А. Вилларт. Центром существования венецианской школы являлся собор Святого Марка. Именно здесь наиболее яркие представители направления в разное время работали в качестве композиторов и органистов. Венецианскую школу можно охарактеризовать как «высокоразвитый монументально-декоративный стиль вокальной полифонии». Основными особенностями этого стиля были полнота звучания, насыщенный колорит и пышность. В основу венецианской школы легли тенденции, связанные с местными национальными традициями, и наследие нидерландских полифонистов. В сочинениях представителей венецианской школы партии оркестра и хора противопоставлялись друг другу и лишь в некоторые моменты две эти музыкальные линии сливались в едином звучании. Большая часть произведений была написана на духовные тексты. К XVII веку центр венецианской школы переместился в первый общедоступный оперный театр, а во главе движения встал К. Монтеверди. Его последователями были А. Вивальди, Ф. Кавалли, А. Страделла и др.

ВЕНСКАЯ КЛАССИЧЕСКАЯ ШКОЛА. Стиль классической музыки, возникший в Вене во второй половине XVIII века. Приверженцами направления были В. А. Моцарт, Л. Бетховен, Й. Гайдн и др. К особенностям стиля можно отнести обязательное наличие аккомпанемента, работу над темой и формой, а также присутствие сквозных тем. Одновременно с расцветом венской классической школы происходило формирование симфонического оркестра. Становились понятными его состав и функции оркестровых групп. Благодаря этому музыкальному направлению укрепилась классификация типов камерных ансамблей – струнный квартет, фортепианное трио и т. д. Оперное творчество Моцарта как одного из основоположников венской классической школы сыграло важную роль в становлении различных типов оперы. Главным центром развития и становления классической школы стала Вена, столица музыкальной культуры того времени, что и дало название музыкальному направлению. Основные правила, разработанные представителями венской классической школы, и в настоящее время актуальны и востребованы в музыкальном искусстве.

ВЕРБУНКОШ. Стиль венгерской инструментальной музыки, возникший в конце XVIII – начале XIX века на основе вербунка – национального мужского танца. Этот стиль соединил в себе национальные элементы музыкальной культуры разных народов – венгров, румын, южных славян. К ним добавились тенденции итальянского и немецкого музыкального искусства. Поскольку танец, который лег в основу нового стиля, исполнялся в основном цыганскими оркестрами, отголоски этой народной культуры также присутствуют в вербункоше. Характерные особенности этого стиля – ритмическое разнообразие (сочетание разных ритмов), звукоряд с одной или двумя увеличенными секундами, чередование медленного и быстрого темпа, импровизация. Вербункош стал известен благодаря произведениям Ф. Листа, Ф. Шуберта, И. Брамса и др.

ВЕРИЗМ. Музыкальное направление, возникшее в Италии в конце XIX века. Характерной особенностью творчества приверженцев этого течения было обращение к судьбам простых людей. Композиторы-веристы старались показать жизнь в ее истинном свете, без прикрас. Особое место уделялось личным переживаниям героев, в качестве которых выступали студенты, бедные горожане, крестьяне и т. д. Произведениям веристов свойственны особый острый драматизм и эмоциональность в сочетании с удивительной мелодичностью. Самыми известными представителями этого музыкального направления были Дж. Пуччини, П. Масканьи, Р. Леонкавалло и др. В других европейских странах существовали музыкальные направления, родственные веризму.

ДЕМЕСТВЕННОЕ ПЕНИЕ. Стиль церковной музыки, распространившийся на Руси в XV–XVII веках. Отличительные особенности демественного пения – свежесть интонаций, цветистый рисунок и мелодическая гибкость. Этот стиль был максимально приближен к лирической народной песне. Демественное пение звучало во время праздничных богослужений и торжественных событий – встречи царя, венчания и т. д. Мелодии записывались с помощью знаменной, или специальной деметственной нотации. В XVII веке появились также трех– и четырехголосные партитуры. Ранее существовала точка зрения, сторонники которой характеризовали демественное пение как «домашнее», исполняемое за стенами храма. В настоящее время подобное толкование оспаривается.

ДИКСИЛЕНД. Танцевальный стиль джазовой музыки, возникший в конце XIX века, создание которого приписывается «белым» музыкантам. Характерные черты стиля – переплетение отдельных голосов в общей импровизации. Соло открывал один из исполнителей, другие исполнители как бы продолжали его игру, финальные фразы в виде четырехдольных рефренов исполнялись на барабанах и весь ансамбль отвечал им. Первая запись музыки в стиле диксиленд состоялась в Нью-Йорке в 1917 году. Далее последовали другие записи, после чего направление завоевало огромное количество поклонников. Пластинки с музыкой этого жанра расходились огромными тиражами. Яркими представителями диксиленда были Кенни Болл, Кинг Оливер, Луис Армстронг и др.

ДОДЕКАФОНИЯ. Музыкальное направление, возникшее в XX веке. Название произошло от греческих слов dodeka – «двенадцать» и phone – «звук». Разработчиком додекафонии был австрийский композитор А. Шёнберг. Особенностью музыки в этом стиле является определенная последовательность серий из 12 звуков хроматической гаммы, ни один из которых не должен повторяться. Помимо Шёнберга эту технику использовали Д. Шостакович, И. Хауэр, С. Прокофьев и др.

ЗНАМЕННЫЙ РАСПЕВ. Вид церковного пения в Древней Руси. Название происходит от старославянского слова «знамя» – знак. Знаменами назывались знаки, с помощью которых велась запись напевов. Первое значение понятия «знаменный распев» подразумевало напевы, исполняемые с записей (в отличие от напевов устной традиции). Сначала знаменный распев был предназначен для исполнения одним голосом, позднее в него были включены элементы многоголосия. В XVII веке в церковной музыке наблюдалось тяготение к упрощению, что способствовало ясности наполнения текстов, улучшало ощущение лада. В результате знаменные распевы были значительно сокращены. Многие русские композиторы – П. И. Чайковский, С. В. Рахманинов, П. П. Турчанинов и другие – в своем творчестве прибегали к гармонизации знаменных распевов.